Lançamento: Imagens do Parque Ibirapuera

Tenho o prazer de apresentar-lhes o livro "Imagens do Ibirapuera" da Editora Decor, do qual eu participei ao lado de outros grandes fotógrafos!

Lagoa do Ibirapuera por Natalie Jorge

Release:

As lentes de 12 fotógrafos revelam as mais variadas facetas do Parque do Ibirapuera em um livro único, cheio de arte, atitude, movimento, poesia e beleza que tem lugar na vida de todos os que amam ou simplesmente conhecem o parque que é a cara de São Paulo

Parque Ibirapuera por Natalie Jorge

A região era alagadiça e tão pouco aprazível que ganhou dos índios o apelido de “pau podre”, ou em tupi, “ypi-ra-ouêra”. Mas, hoje é a maior jóia da cidade não só pelo patrimônio arquitetônico que está dentro dele, mas – principalmente – pelo carinho que paulistanos de todas as gerações e classes sociais devotam ao Parque do Ibirapuera.

Auditório Ibirapuera por Natalie Jorge

Mas, como tudo em São Paulo, o parque é fruto de uma equação em que se misturam conhecimento, trabalho e teimosia. Talvez por isso ele seja capaz de traduzir com tanta facilidade a diversidade que é a marca da capital paulista. Mas, entre pau podre e destaque da cidade, houve uma história com uma boa dose de emoção.

Lagoa do Ibirapuera por Natalie Jorge

Para planejar o parque foram chamados nomes de destaque no cenário nacional nos anos 1950: o projeto arquitetônico foi comissionado ao arquiteto Oscar Niemayer, que criou para a cidade de São Paulo construções em formas tão inovadoras e arrebatadoras como a Oca, a Marquise e a Bienal. Pode-se dizer, inclusive, que o Ibirapuera foi o percussor da estética que teria Brasília como seu maior exemplo. Roberto Burle Marx criou um projeto de paisagismo que não chegou a ser concluído. Deve-se ao engenheiro agrônomo Otávio Augusto Teixeira Mendes a transformação do antigo charco virou um dos mais amados símbolos da maior cidade da América do Sul.

Oca por Natalie Jorge

Depois que o parque ganhou vida, o Ibirapuera passou a ser intensamente amado por quem vive ou visita a cidade de São Paulo. Estranhamente, entretanto, todo esse amor até agora não tinha sido traduzido em forma de livro conforme constatou Marcos Azzi, presidente do Instituto Azzi e freqüentador assíduo do parque, que assumiu o papel de mola propulsora deste projeto. Diante do desafio de retratar o parque, a editora Decor Books convidou 12 renomados fotógrafos para traduzir os muitos ângulos do parque em imagens que conversam com a alma da gente. Ao passear pelas imagens feitas por Angelo Pastorello, Beto Riginik, Camilo AC Ramos, Celina Germer, Helena Quintana, Jorge Araújo, Luiz Machado, Marcio Scavone, Martin Szmick, Natalie Jorge, Neno Ramos e Willy Watge dá para sentir o quanto o parque mais querido de São Paulo traduz a metrópole. 

O livro já está à venda! 

Como criar boas composições e enquadramentos fotográficos

Eu sei que Fotografia significa "desenhar com a luz" e exatamente por isso a tão aclamada "LUZ" é a parte mais importante desta forma de Arte. Com certeza, sem iluminação não temos imagem, mas na minha humilde opinião, considero a composição da imagem a alma da fotografia e nela incluímos a luz e a sombra. Porque na verdade não basta ter luz, é preciso saber enquadrar.

É neste ponto que vou pedir ajuda ao grande mestre Henri Cartier-Bresson para me ajudar neste tema. Não vou dizer o quanto sua contribuição foi importante, vou apenas mencionar que a composição de imagem que ele fazia era simplesmente perfeita. E por que não se basear em grandes referências como ele?

Com Cartier-Bresson eu aprendi que além do "assunto/objeto" principal da foto, o contexto também é importante. Digamos que ele coloca os pingos nos "is". Por exemplo, o que seria desta foto abaixo,

Henri Matisse em sua casa por Cartier-Bresson

 Se a composição ou o enquadramento fosse outro? Imagina se ele fizesse esse enquadramento:

Não teria nem de perto a mesma importância ou seria tão belo quanto o original. E se esse outro retrato 

Jean-Paul Sartre por Cartier-Bresson

tivesse sido feito assim:

Ou esse da Simone de Beauvoir

Simone de Beauvoir por Cartier-Bresson

fosse assim:

Toda a poética da foto seria perdida. 

Por isso, o equipamento mais importante de um fotógrafo é seu próprio olho, quero dizer, seu olhar, sua capacidade de enxergar as coisas e o potencial de se criar uma foto. De nada adianta ter a melhor câmera do mercado com a lente de mais alta qualidade se a pessoa que está clicando não vê.

Ao compor uma imagem, você tem que decidir qual é a melhor maneira de posicionar os elementos, o que enquadrar e o que deixar de fora, qual o ângulo mais harmonioso e como mostrar e expôr o assunto da foto em relação ao seu contexto. Assim como um pintor precisa trabalhar com os limites de seu canvas, o fotógrafo usa o visor da câmera como seu "espaço criativo" para fazer uma boa composição.

O ângulo usado para fotografar determina a relação entre todos os objetos enquadrados e seus arredores. Procure pontos de vista que simplifique a foto se posicionando de forma que exclua detalhes irrelevantes ou encontrando formas alternativas e diferentes de apresentar o assunto. Enquanto olha pelo visor, tente agachar, subir em alguma plataforma ou simplesmente mover-se para os lados tentando mostrar os objetos de maneiras diferentes.

Dependendo do que você for fotografar, vale a pena andar ao redor dele, pois não só a luz irá mudar conforme você se move, mas como terá uma grande diferença na composição, pois a paisagem do fundo e do primeiro plano será diferente. Um fundo poluído e que tira o "foco" do modelo a ser clicado, pode ser removido simplesmente dando alguns passos para o lado.

A perspectiva e a profundidade de campo são elementos muito ricos em uma composição, pois eles dão a impressão de que se está olhando para uma cena em três dimensões. Há diferentes maneiras de criar esse efeito. Você pode colocar um objeto atrás do outro criando diversos planos, usar e abusar de perspectivas lineares e pontos de fuga, adicionar o efeito das cores ficarem mais claras e apagadas a medida que vão se distanciando da câmera ou usar um abertura grande na lente e deixar o fundo desfocado. Ao trabalhar pontos de fuga, pode-se dramatizá-los usando uma lente grande angular, que "afasta os planos" e cria a ilusão de que o corredor é mais comprido do que realmente é. 

Um mestre em dramatizar suas imagens usando esse tipo de enquadramento é o cineasta Stanley Kubrick. Veja o video abaixo e comprove que todos os filmes dele são compostos da mesma forma dramática, inteligente e harmoniosa:

Ao falar em enquadramento é necessário mencionar a regra dos terços, que divide a foto em três parte iguais horizontais e outras três verticais. Ela dita que você deve posicionar o objeto ou modelo nos terços laterais superiores ou inferiores da foto. Pode-se aplicar a mesma regra para cores e formas. Duas cores fortes ou formas dominantes competirão pela atenção de quem está vendo, mas se colocadas de forma que conversem uma com as outras, elas podem formar uma composição harmoniosa.

O ideal é gastar um tempo estudando e compondo a imagem no visor da câmera, posicionando os elementos de forma a atingir o efeito desejado. Portanto, decida primeiro quais são os elementos mais importantes, escolha um ângulo e a distância focal. O enquadramento é tudo, é como você contextualiza a história.

Além de Stanley Kubrick, sugiro que vocês assistam o filme Moonrise Kingdom do cineasta Wes Anderson que também é uma aula de composição.

Por que fotografar em RAW?

O raw, cuja tradução é "cru", é um formato de arquivo que contém todos os dados da imagem conforme ela foi captada pelo sensor da câmera. É um arquivo bruto, sem nenhum tipo de compactação ou processamento e por isso é um arquivo grande e de alta qualidade. O raw é o seu negativo digital e, assim como no filme, o negativo não é usado como imagem, mas contém todas as informações necessárias para criar uma. Ele precisa ser "revelado", o que toma um pouco mais de tempo do fotógrafo do que clicar em jpg, que é um tipo de arquivo já compactado e com perfil de cor e ajustes automáticos já estabelecidos.

Mas porque fotografar em RAW e não em JPG?

Por ser um arquivo completo, é possível processar e ajustar a imagem em RAW sem grandes perdas na qualidade final. Já um arquivo JPG perde qualidade cada vez que você altera e salva a imagem, justamente por ser um arquivo de compactação. Ele descarta tudo que considera irrelevante, que o olho não vê.

Traduzindo, o RAW permite que você controle melhor os ajustes da imagem do que um JPG que já vem pré-processado.

Outra grande vantagem de fotografar em RAW é que esse formato, por ser considerado um negativo digital, é a garantia de que a foto é sua. Ele é aceito pela justiça brasileira como prova em tribunal.

Em alguns casos, como de fotografia de eventos e festas o raw acaba tornando-se inviável por conta do grande número de fotos a serem descarregadas e processadas. Pelo JPG ser um arquivo menor, já compactado e pré-processado ele agiliza muito a entrega do material nestas situações. Mas é muito importante sempre termos o arquivo raw para a nossa garantia. Portanto, mesmo que você precise economizar no tempo, ao menos ajuste sua câmera para capturar a imagem nos dois formatos.

Cada fabricante usa uma extensão diferente para indicar este tipo de arquivo:
- Canon: .cr2 .crw
- Nikon: .nef .nrw
- Sony: .arw .srf .sr2
- Olympus: .orf
- Pentax: .ptx ou .pef
- Fuji: .raf
- Panasonic: .raw .rw2
- ...

Dicas para fotografar crianças | Como fazer um book infantil

Muita paciência e bom humor são os requisitos básicos para fotografar crianças, pois seu maior desafio será dirigi-la. Enquanto há algumas crianças que detestam serem fotografadas, choram, querem ir embora, não colaboram com nada, há outras que você praticamente não precisa falar nem fazer nada, elas simplesmente adoram, fazem tudo que você pedir e o ensaio flui super bem. Mas seja em estúdio ou em locação externa, tente sempre fazer com que seja uma experiência divertida. Coloque músicas infantis e peça para ela dançar, leve brinquedos, deixa-a olhar pelo visor da câmera e pergunte o que ela acha e, mais importante, sempre mantenha um diálogo com ela se interessando pelo que ela está fazendo ou falando.

As crianças raramente ficam paradas, portanto você terá que ser sempre muito rápido. Não vale fotografá-la em um ambiente com pouca luz, pois será necessário usar uma velocidade rápida de no mínimo 60 para congelar o movimento com precisão. Tente também não restringir seus movimentos pois caso contrário ela ficará impaciente e não irá mais cooperar. Agache ou sente e coloque-se na mesma altura dela ao fazer os enquadramentos. Se você estiver fotografando em estúdio, preocupe-se em colocar as tochas mais baixas, e deixar equipamentos caros fora do alcance.

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Quem está usando suas imagens sem permissão?

Quando o Google disponibilizou a busca por imagens através do endereço eu não dei muita bola, mas hoje fui pesquisar a respeito e achei muito interessante. Essa ferramenta permite que você descubra quem está usando a sua imagem na internet. Quando a gente faz o upload de uma foto que a gente SUOU para fazer, esperamos que as pessoas gostem, comentem e até compartilhem, mas que coloquem os CRÉDITOS DEVIDOS!!! Duro é quando você faz a busca por uma imagem SUA e descobre que além de a estarem usando, ainda deram o crédito para outro fotógrafo que você nunca viu mais gordo na vida!! FALA SÉRIO!! 

Para fazer esta busca nas suas imagens você deve clicar na foto e depois que ela carregar, clicar em cima dela com o botão direito do mouse. Selecione "copiar endereço da imagem" e,  na página do Google, opte por busca de imagens e clique no ícone da câmera que aparece no campo de busca. 

Cole o endereço da imagem e pronto! O resultado é bem preciso, portanto tenha um chá de camomila ou uma suco de maracujá por perto e ouça músicas relaxantes antes de fazer isso e começar a distribuir palavrões, ok?

Boa sorte!

Tutorial: reduzindo o ruído da foto

No meu post anterior eu escrevi sobre como tirar melhores fotos, com mais definição. E, um dos tópicos abordados foi o ruído que a pouca quantidade de luz e o uso de um ISO alto causam na foto. O Camera Raw nos permite corrigir isso de uma maneira muito fácil. Confira o video!

Como tirar fotos com melhor qualidade

São muitos fatores que podem comprometer a qualidade da foto e eu vou lhe contar agora o que você pode fazer para conseguir imagens mais nítidas. 

1- ISO

O ISO é a o sistema usado para determinar a sensibilidade do filme à luz. Hoje, não usamos mais película, mas ele ainda continua valendo. Se a cena a ser fotografada está bem iluminada, pode-se usar um ISO baixo (50, 100) resultando em fotos de altíssima qualidade. Mas, conforme a quantidade de luz for caindo, torna-se necessário subir o ISO para 200, 400, 800 ou até mais para conseguirmos capturar alguma coisa. O problema é quanto mais aumentamos o ISO, mais ruído ele causa na imagem, comprometendo a qualidade desta. Portanto tente ao máximo não aumentar o ISO.

Na imagem abaixo, eu usei ISO 1600 para conseguir uma boa exposição, o que resultou em muito ruído:

É possível reduzir ou até sumir com ele usando o Camera Raw no menu details - noise reduction. Ele funciona muito bem. Abaixo vocês podem ver o resultado após o tratamento.

2- Tripé

A quantidade de luz é sempre um problema. Às vezes eu saio para fotografar em baixo de um sol forte, mas eu quero o máximo de profundidade de campo possível e acabo tendo que baixar muito a velocidade. Para esses momentos é sempre bom ter um tripé. É muito difícil você conseguir segurar a câmera na mão sem tremer com velocidades abaixo de 30. Isso acontece bastante quando estou fotografando arquitetura, onde preciso que absolutamente tudo esteja em foco. Portanto acabo sempre colocando a câmera em cima do tripé (mesmo para poder alinhar melhor o enquadramento), ajustando a abertura para 22 e a velocidade para o quanto for necessário.

O tripé faz muita diferença sim! Existem milhares de modelos de pés e de cabeças de tripé e acaba sendo um pouco confuso escolher um deles. Antes de mais nada, você precisa conhecer o seu equipamento. Você deve saber o quanto pesa a sua câmera e a sua lente mais pesada juntas, pois se você comprar uma cabeça com capacidade menor, ela não vai sustentar. Você vai colocar na posição mas ela não vai manter. Tenha em mente também que pode ser que em um futuro próximo você invista em uma lente maior e mais pesada, o que deve ser considerado pois os tripés duram muito. Existem vários sistemas diferentes de rotação da cabeça. Para quem faz fotografia de espetáculo ou de esportes, é interessante investir em um que seja rápido. Dois sistemas bons são de bola (ball head) e o de joystick (pistol grip head). Este último você aperta e ele move para qualquer lado em qualquer inclinação. 

Além do fator peso, existe o fator deslocamento. Na hora de escolher as pernas, prefira pernas fortes, com estabilidade e praticidade. O problema é que quanto mais forte, mais pesado é o tripé. Por isso que você precisa saber em quais ocasiões você irá usá-lo. Se for somente para estúdio isso não deve ser uma preocupação, mas caso você faça muita foto externa, você precisa ver o quanto você está disposto a carregar nas costas. Leve também em consideração o sistema de abertura e fechamento das pernas do tripé. Ele precisa ser prático e firme. 

Um acessório muito útil que já vem em alguns tripés, mas não em todos, é o nivelador (bubble level) que mostra se o tripé está reto. Ele é muito útil para poder alinhar o enquadramento em fotos de arquitetura e paisagem.

Quando vou comprar equipamento, uma das coisas que eu me preocupo é a marca, pois sei que vou estar investindo em algo bom e duradouro. Quando penso em tripés eu sempre considero a marca Manfrotto, que é a preferida dos fotógrafos.

3- Lente

Você não deve economizar nas suas objetivas. Elas duram muito. Eu tenho lentes há 10 anos que estão em ótimo estado apesar de já ter trocado de câmera umas 5 vezes neste meio tempo. Além disso elas interferem muito na qualidade da imagem. Portanto é aqui que você deve investir pesado. Procure sempre as lentes mais claras, isto é, com aberturas maiores (2.8 para baixo) e que não sejam daquelas de "plástico". Se você tem equipamento Canon, concentre-se na serie L.

Hiperrealismo: pinturas tão reais que parecem fotografias

Podem acreditar! As imagens abaixo são pinturas e não fotografias. E talvez vista assim pequenas pelo computador dê uma impressão ainda mais realista. Isso na verdade é uma escola de pintura chamada hiperralismo que surgiu em 1973 em um exposição Fotorrealista em Bruxelas. 

Desde o século XV a câmera obscura vem auxiliando pintores e desenhistas a executarem seu trabalho e, desde seu surgimento, a Fotografia tornou-se uma ferramenta de grande importância para muitos artistas que buscavam reproduzir com fidelidade o que viam. A partir daí veio o Fotorrealismo como uma derivação da arte pop e dele o Hiperrealismo que vemos abaixo.

Richard Phillips

Richard Phillips costuma pintar quadros de celebridades. Muito bom, não é? Mas mais legal que o trabalho dele é o da americana Marylin Minter. Recomendo muito o site dela, pois ela tem um portfólio muito interessante. Ela usa tinta de esmalte em cima do alumínio e depois usa seus dedos para amenizar as pinceladas. 

Marylin Minter

Dentre eles muitos outros artistas dessa escola tem trabalhos incríveis e muito bonitos que vale a pena conferir.

Dan Witz

Alyssa Monks

Fonte: Flavorwire

"Quando eu chego para você e digo que é arte, você aceita, não importa o que"

Nelson Leirner está expondo na Galeria Silvia Cintra no Rio de Janeiro cem imagens estilizadas da Mona Lisa dentro de caixas de acrílico criticando o abuso da tecnologia e banalização da figura da Gioconda.

Nelson Leirner - Cem Monas

Isso me fez pensar um pouco sobre a apropriação e sobre a obra desse artista brasileiro em particular. Sempre polêmico e impactante, Leirner recusou-se durante o período da ditadura a participar das Bienais de 1968 e 1971. Em 1974 criticou o regime militar através da série "A rebelião dos Animais". Em 1988 foi censurado pelo juizado de menores do Rio de Janeiro por causa de intervenções que ele fez com as fotografias de Anne Geddes. 

Belo currículo! Com muitas "pedras na mão", ou na mente, ele apropria-se de coisas e de obras de outros artistas para fazer suas críticas. Adoro artistas que trabalham com apropriações, todos eles acabam sendo um tanto quanto polêmicos.  

Michael Archer fez uma série de considerações em seu livro "Arte Contemporânea: uma história concisa" sobre o tema das apropriações as quais eu questiono. Será mesmo que os artistas hoje deixaram de acreditar em uma idéia de progresso da história da arte? Valores tão importantes como a originalidade acabaram se perdendo? Vocês acreditam que em razão do excesso de informação e da velocidade com que essas circulam, tudo já foi feito em termos de arte?

Eu acredito que a originalidade e a criatividade sempre vieram a partir da renovação de recursos, fontes e estéticas antigas. As grandes obras nunca vieram do nada, elas sempre partiram de alguns pontos de referência, que na mente do artista se transformaram de alguma forma dando início a algo "novo". Nada se cria, tudo se transforma. A apropriação, de certa maneira, sempre existiu na arte e em todos os outros campos. 

Achei engraçado ao ver Leirner dizer as seguintes pérolas em um vídeo que encontrei em seu site:

"Eu nunca pintei um quadro na minha vida. Pintar dá trabalho e eu começei já a me apropriar". 

Até aí tudo bem. Estranhamente relapso, mas ok. Até que veio a seguinte frase:

"Quando eu chego para você e digo: "é arte", você aceita, não importa o que. A arte tem essa liberdade de ser o que você quer" e "Assim é, se lhe parece".

Lembrei de Marcel Duchamp e de sua famosa crítica ao sistema artístico ao colocar um urinol em um museu com o título "Foutain". Tudo muito lindo, muito conceitual. O problema é que muita gente não entende esse tipo de crítica. Cada pessoa vê a obra, qualquer que seja, de maneira subjetiva, por causa de crenças e trajetórias de vida diferentes. Certa vez na faculdade, lembro de ter feito um ensaio fotográfico pensando em uma coisa e a professora fez uma leitura totalmente diferente do que imaginei. O problema que encontro em muitos dos artistas que seguem essa linha de trabalho é que eles deixam a beleza estética de lado para dar mais ênfase ao conceito. Talvez por isso eu goste tanto do trabalho do Andy Wahrol. Ao meu ver, a obra artística tem que ser bonita.

Acho o conceito de Leirner válido, mas não gosto nem um pouco das obras dele. Essa da Mona Lisa então, totalmente desnecessária. 

iPhone 5 X iPhone 4S

A notícia da semana é sem dúvida alguma, além do Gangnam Style (o que é aquilo?? Eu não consigo parar de rir!! hahahahaha!!!), o lançamento do novo iPhone 5. Assim que ele foi anunciado, a Apple fez o upload de algumas fotos tiradas com o novo produto. O interessante foi que o gerente de produtos da Dpreview Scott Everett havia viajado recentemente para Big Sur na Califórnia e fotografou com o seu iPhone 4S exatamente a mesma paisagem postada pela Apple. Quais as chances, não? 

O bom disso é que foi possível uma comparação entre as "câmeras" dos dois aparelhos. Segundo a Apple eles melhoraram o cristal da lente da câmera, deixando-o mais fino e mais claro, o que resulta em fotos mais nítidas. O que o Dpreview notou foi que o sensor é uma pequena fração maior e também que o ISO pode chegar a 50 ao invés de 64 que é o mínimo do modelo 4S.

Tudo isso resulta sim em melhores fotos, mas convenhamos que a qualidade das fotos do iPhone são uma bela porcaria. Eu, particularmente, fico insatisfeita com 98% das vezes. É só você diminuir um pouquinho a intensidade de luz que a imagem acaba ficando com muito ruído. 

Abaixo você pode ver um recorte da foto em 100% para comparar. A primeira foi tirada com o 4S e a segunda com o 5. 

Mesmo essas fotos tiradas com o novo modelo não me convencem. Ao meu ver, a única vantagem de fotografar com o iPhone é a discrição. Pode-se adotar o resultado como uma nova linguagem talvez. Desta forma acho válido.

Além de tudo isso, foi adicionado ao novo sistema iOS6 a função de foto panorâmica por um sistema que captura a imagem conforme você vai movendo fisicamente o enquadramento. O que não é lá grandes novidades, pois já existem câmeras compactas com esta função, mas é bem bacana!

Eu queria terminar este post com um video feito pelo programa Jimmy Kimmel Live mostrando a reação das pessoas na rua quando eram apresentadas ao novo iPhone 5 mas que na verdade era o atual iPhone 4S... É incrível como elas acham que tudo está melhor e mais rápido mesmo testando o mesmo aparelho que elas tem no bolso. Você realmente precisa sair correndo para comprar o novo iPhone 5?

Fontes: PetaPixel, Dpreview

Princípios básicos da Fotografia: controlando a exposição

Muitas vezes eu explico algumas técnicas fotográficas aqui no blog mas sinto que posso estar falando grego para muitas pessoas. Isso porque a fotografia vai muito além de apenas apertar um botão, caso contrário não teria investido quatro anos da minha vida estudando isso na faculdade. Achei portanto, que seria interessante falar um pouco sobre alguns tópicos básicos, para mais adiante podermos avançar o assunto.

Todas as câmeras tem o mesmo design: um compartimento a prova de luz com um furo de um lado, onde a lente é colocada e do outro, um elemento sensível a luz, que pode ser tanto o filme quanto um sensor digital de captura de imagem. Para fotografar com uma exposição correta, é necessário combinar abertura, velocidade e ISO a fim de controlar a intensidade de luz que atinge o filme ou o sensor.

1- Abertura, diafragma e profundidade de campo.

Diafragma

A abertura é controlada pelo diafragma, elemento presente na lente da câmera que varia seu diâmetro permitindo maior ou menor entrada de luz. Comandada pelo f/número (f/1.8, f/2.8, f/4.5, f/5.6, f/8.0...), ela dita a profundidade de campo, isto é, região nítida que se estende à frente e atrás do ponto focalizado. Teoricamente, a profundidade de campo é determinada não só pela abertura da lente, mas também pelo diâmetro do círculo de confusão, distância focal da lente e distância do objeto à lente. Mas na prática funciona assim: quanto maior a abertura (menor o número do f stop), menor a profundidade de campo; e quanto menor a abertura (maior o número do f stop), maior a profundidade de campo.

diafragma - f stop

Foto com pouco profundidade de campo: primeiro plano (modelo) em foco e fundo desfocado - f/2.8

2- Velocidade e obturador

Obturador aberto e fechado

Já a velocidade é controlada pelo obturador, que é um mecanismo que abre e fecha no tempo designado pelo fotógrafo. Ele controla a duração da exposição do filme ou sensor à luz. Assim, conforme a velocidade usada, você pode ou não congelar o movimento do objeto sendo fotografado. 

Marginal Pinheiro em baixa velocidade - f/22 velocidade 10 

3- ISO

O ISO ou velocidade do filme é o sistema usado para determinar a sensibilidade do filme à luz. Ainda usado na fotografia digital, sua característica é a qualidade da imagem formada. Quanto maior o ISO, maiores os grãos formados na foto ou no caso do digital, mais ruído.

Foto tirada com filme ISO 800 - muita granulação

Fotometrando

A maioria das câmera de hoje já vem o um sistema de medição de luz, que te mostra como está sua exposição. Assim, é só colocá-lo no zero combinando esses 3 elementos conforme sua necessidade e intenção. 

Se o marcador estiver abaixo do zero, quer dizer que está faltando luz, portanto você deve ou aumentar a abertura, ou diminuir a velocidade ou aumentar o ISO. Agora se ele estiver acima do zero, você deve fazer o contrário.

Socialmatic - A câmera Instagram

O estúdio ADR está começando a fechar negócio com alguns investidores e fabricantes para começar a produzir a Socialmatic, câmera conceito que eles idealizaram em maio deste ano. Ela seria uma máquina digital que além de fotografar, aplicaria filtros e imprimiria a imagem na hora usando o mesmo sistema de uma Polaroid. Segundo o Antonio De Rosa, fundador do projeto, todas elas virão com lentes de zoom óptico, entrada para cartões SD, GPS, Bluetooth, conexão Wi-Fi e 3G e será possível escolher entre modelos de 16 e 32 GB.

Brinquedinho charmoso...

Procurem-me no Instagram: natyjorge 

Fonte: Wired

Conselhos para fotógrafos iniciantes

1- A melhor câmera é aquela que você tem em suas mãos.

É claro que a gente sempre quer ter o último modelo do mercado. Aquela com um milhão de megapixels, 50 pontos de foco, ISO 10.000, etc etc etc. Mas no final o mais importante para a sua evolução é fotografar, aplicar todo o conhecimento que você adquiriu para conseguir extrair o melhor do equipamento que você tem. 

Eu, particularmente e, acredito que a maioria dos fotógrafos, não carregam suas câmeras de trabalho consigo o tempo inteiro. Primeiro porque elas são um trambolho, pesadas, ocupam muito espaço e chamam atenção. Normalmente eu carrego comigo uma câmera compacta, que para falar a verdade me deixa frustrada e um iPhone, que me deixa mais frustrada ainda! rss. Isso porque estou acostumada a poder controlar absolutamente tudo, exposição, profundidade de campo, velocidade e a ter uma qualidade alta nas minhas fotos e, nada disso acontece ao usar esses outros equipamentos. Mas isso não quer dizer que você não possa treinar seu olhar com eles, e até ter resultados bem satisfatórios. 

Em minha primeira visita à Nova Iorque eu esqueci de levar minha câmera. Isso mesmo. Eu, fotógrafa, esqueci minha câmera em casa. Piadas à parte, eu comprei um monte de câmeras descartáveis ao chegar lá. Incorporei essa nova linguagem e até obtive resultados bem interessantes. E apesar da minha relutância quanto à qualidade dos trabalhos feitos com métodos alternativos, tem gente por aí que fez editorial de moda com a câmera do iPhone... Só não vale fazer portfólio pelo Instagram, por favor!

Nova Iorque 2005 - Vista do topo de Empire State Building tirada com uma câmera descartável

2- Se você quer ser um bom fotógrafo, acorde fotografia, jante fotografia, respire fotografia.

A palavra é produzir, pois da prática vem a perfeição. Você pode até ser um gênio nato da fotografia e sem muito esforço conseguir um ótimo resultado, mas eu garanto que em 99% dos casos não é isso que acontece. Para ser um bom fotógrafo você tem que ralar muito, fotografar muito, pesquisar muito, carregar o peso do equipamento, caminhar bastante, ficar horas no computador editando imagem, além do trabalho burocrático. Mas o mais importante é fotografar sempre! Criar projetos pessoais, experimentar técnicas, estudar e pesquisar referências. Quanto mais você criar, melhor você ficará e maiores serão suas chances de realizar um trabalho incrível.

Mãos à obra!

Dirigindo modelos como Terry

Terry Richardson

Terry Richardson sempre foi hit, mas ultimamente eu tenho ouvido muito falar sobre ele. Um dos fotógrafos de moda mais influentes dos últimos tempos, Richardson tem fama de ter hábitos bem estranhos durante seus ensaios. Não é das tarefas mais árduas dirigir um modelo profissional, ele já sabe muito bem o que tem que fazer, qual ângulo é mais lisongeiro e como se portar na hora do click. Mas ele tem o "dom" de fazer muitas, mas muitas, modelos ficarem tão à vontade que todas acabam tirando a roupa. Usar o nú em moda é muito comum, mas o que me parece é que todas querem ser fotografadas por ele assim.

Jake Gyllenhaal

Lindsay Lohan

Kate Moss

 Encontrei uma reportagem no site de notícias Jezebel, falando exatamente sobre o método nem um pouco convencional do Terry Richardson conduzir seus ensaios. Jamie Peck, que tinha 19 anos quando foi ao seu estúdio para posar nua, conta que o fotógrafo pediu para ela o chamar de "Tio Terry", ficou completamente pelado e pediu para ela conduzir o ensaio fazendo umas fotos dele. A história fica ainda mais bizarra quando o negócio esquenta e acaba ficando um pouco mais sexual. Você pode conferir os detalhes mais sórdidos na reportagem, mas a impressão que eu tive é que o estúdio dele parece mais uma balada de swing... 

O fotógrafo mantém um Tumblr entitulado Terry Richardson's Diary recheado de fotos o qual ele atualiza todos os dias e um canal no YouTube que rende boas risadas! Sua última atualização foi de uma injeção de vitamina B12 que foi aplicada nele por uma modelo de lingerie em seu estúdio.

A verdade é que Richardson tem um estilo próprio muito bem definindo e, perversão à parte, o seu trabalho é muito bom. Acabou influenciando até grandes nomes da fotografia como JR Duran, que , acredito eu, acabou se inspirando nele para clicar a tão criticada capa de setembro da Playboy com a advogada e ex-assessora parlamentar do Senado Denise Leitão Rocha. Segundo o pessoal do Das Bancas, "o Duran mirou no Terry Richardson e acertou no tio bêbado da festinha de putaria. Que foto horrorosa!". Na minha opinião com certeza a produção ficou muito falha e a modelo estava muito desconfortável. Segundo Denise, ela ficou nervosa e chorou no início da sessão, mas depois descontraiu. Poxa Duran! Acho que faltou você incorporar o "Tio Terry" e tirar a roupa também! rss.

Qual câmera comprar e onde?

Quando começei a me interessar por fotografia eu estava cursando a faculdade de cinema na FAAP. Fiquei encantada com todo o processo fotográfico e logo fui à Rua Conselheiro Crispiniano comprar a minha primeira câmera com funções manuais, uma Pentax K1000. Não que não houvessem diferenças entre uma Nikon F3 e uma Pentax K1000, mas naquela época a escolha por uma câmera era muito mais simples por não haver o fator CCD. A qualidade do resultado final era muito mais determinada pelo conhecimento técnico do profissional apertando o botão e pela qualidade da lente do que pela tecnologia do equipamento. Sem contar, que antigamente você comprava uma câmera e ela durava anos a fio. Hoje, a cada 2 anos você está desatualizado. 

Pentax K1000

Nikon F3

Se você está começando a estudar fotografia, você vai precisar de uma câmera DSLR (Digital Single Lens Reflex), isto é, uma câmera reflex de uma objetiva. Este tipo de câmera possui um espelho interno que permite que o fotográfo enxergue exatamente o que vai fotografar, levando em conta a distância focal da objetiva, o uso de filtros de correção, polarizadores, filtros close-up, dentre outros acessórios. Em um próximo post eu explico melhor todo o funcionamento de uma câmera, por hora vamos no ater à escolha de compra.

Quando as pessoas me perguntam qual câmera devem comprar eu acabo sempre respondendo a mesma coisa: se você pensa em levar a fotografia a sério, invista em uma Canon ou uma Nikon! Ambas são excelentes. A Canon tem um censor de imagem um pouco melhor que a Nikon, mas você não conseguirá notar isso até usar um ISO alto. A Nikon tem uma tela e um sistema de medição de luz melhor. Mas pense muito bem antes de fazer a sua escolha de marca, pois as lentes e acessórios duram muito mais tempo que o corpo da câmera, o qual tem que estar sempre atualizado com os novos lançamentos. Por isso, você acaba convivendo com essa decisão por muitos anos. No final eu acabo sempre indicando a Canon Rebel T3 ou a Nikon D3100. Elas têm tudo que um estudante precisa. Não se preocupe muito com a quantidade de megapixels, a maioria das câmeras digitais vêm com 10MPs ou mais e isso é o suficiente.

Nikon D3100

Canon Rebel T3

A minha última dica é não economizar nas objetivas. Se você estiver entre comprar um corpo caro e uma lente barata ou uma lente cara e um corpo barato, prefira a segunda opção. As objetivas duram muito. Eu ainda uso as que eu comprei há quase 10 anos atrás, sendo que eu já troquei de câmera umas 4 vezes. Elas são um dos pontos mais importantes e que fazem a maior diferença no resultado da imagem.

Para comprar equipamento fotográfico aqui em São Paulo você pode se aventurar pelas ruas do centro da cidade, mais especificamente na Rua Conselheiro Crispiniano e Sete de Abril ou comprar on line. Eu já usei o site da Angel e achei bem satisfatório. Outro site muito legal, onde tem absolutamente TUDO é a BH Photo Video, que provavelmente é a maior loja de equipamento fotográfico. Eles costumam entregar no Brasil também, mas o pedido acaba demorando um pouco para ser ser liberado pela nossa alfândega.

Boa sorte!

Apps de Fotografia

Está todo mundo agitado com essas Apps. Seja qual for o seu interesse, existe uma que foi desenvolvida especialmente para atender as suas necessidades! Tem App pra tudo! Para escolher qual roupa você vai usar de manhã, para ver qual receita você vai cozinhar no seu encontro de sexta à noite, para distrair os filhos enquanto você vê a novela (oi oi oi! rss) e, finalmente, falando do que interessa, para melhorar as suas fotos. 

A Adobe tentou e lançou versão mobile do mais usado software de edição de imagens, o Photoshop. Mas cá entre nós, eu achei ele bem chatinho de operar. De todas as Apps a mais famosa é sem dúvida o Instagram, com 70 milhões de usuários e 5 milhões de fotos postadas todos os dias. Lá você fotografa, aplica um filtro e compartilha com seus seguidores. Simples, rápido e divertido! O mais engraçado é que eu já ouvi frases como: "aplica um dos filtros do Instagram que qualquer um fica lindo com eles!"

Usando o Instagram

Usando o Instagram

Agora, se você não quer fazer parte de mais uma rede social, eu encontrei uma App muito legal e bem mais completa que o Instagram. Ela chama Aviary e está disponível para as plataformas iOS e Android. Além de filtros bem interessantes, esta app tem outras ferramentas muito bem desenvolvidas que permite que você controle o brilho, o contraste, a saturação, o sharpness e também adicione textos e desenhos. Com ela você consegue compartilhar suas fotos no Facebook, Twitter, Tumblr e Flickr com a maior facilidade. Eu uso e recomendo!

Usando o Aviary

Usando o Aviary

Pegue o seu telefone e divirta-se!